JUAN MIRANDA                       

                                        BIO        CONTACT


This work will complete the research trilogy on family and emotions I have been unfolding throughout the two-years master programme Das Theatre.
This video installation in the making (2022) focuses on interviews with my nieces and nephews, both children and teenagers, about sexuality and love. 


As a reference, this proposal dialog with Pier Paolo Pasolini's documentary Comizi d'amore (1964)

Este trabajo completará la trilogía de investigación sobre la familia y las emociones que he estado desplegando a lo largo de los dos años del máster Das Theatre.

Esta videoinstalación en proceso de creación (2022) se centra en entrevistas realizadas a mis sobrinas y sobrinos, niños y adolescentes, sobre la sexualidad y el amor.

Como punto de referencia, esta propuesta dialoga con el documental Comizi d'amore (1964) de Pier Paolo Pasolini.





CONCEPT & DIRECTION
Juan Miranda

COLLABORATORS
Camila Miranda
Martiniano Miranda
Manuel Rende
Pedro Rende
Joaquin Proieto
Francisco Proieto
Catalina Lopez

WITH THE SUPPORT OF
Marjorie Boston
DAS Theatre


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Pathos is an extremely carnal way of relating to emotions and feelings. An aesthetic experience, an illusion that is not, therefore, necessarily false. On the contrary, therein lies its authenticity. Like Dionysus himself, both inhabit the liminal space of the mask.
 
The family is the closest wrapping membrane. The interiors and domestic architecture become a mirror for those who live in it. A structure that often supports and suffocates in equal parts. A tension that accompanies us and defines us even when we are far from it.

It is a performative installation that combines and gives room to reflect on presence, absence, image, flesh, bonds, and family.  An ongoing six-hour-installation that welcomes visitors to circulate between two spaces.

Sensory chaos under the natural morning light and the course of time.

Pathos es una forma extremadamente carnal de relacionarse con las emociones y los sentimientos. Una experiencia estética, una ilusión que no es, por tanto, necesariamente falsa. Al contrario, ahí radica su autenticidad. Al igual que el propio Dionisio, ambos habitan el espacio liminal de la máscara.

La familia es la membrana envolvente más cercana. La arquitectura doméstica y sus interiores se convierten en espejo de quienes la habitan. Una estructura que a menudo sostiene y asfixia a partes iguales. Una tensión que nos acompaña y nos define incluso cuando estamos lejos de ella.

Es una instalación performativa que combina y da cabida a la reflexión sobre la presencia, la ausencia, la imagen, la carne, los vínculos y la familia.  Una instalación continua de seis horas que invita a los visitantes a circular entre dos espacios.

Un caos sensorial bajo la luz natural de la mañana y el paso del tiempo.





CONCEPT & PERFORMER
Juan Miranda

COLLABORATORS
Paula Montecinos
María Gacría Vera
Bruno Zaffora

EXTERNAL ADVISOR
Laura Fobbio
Takeshi Ikeda

TUTOR
Marjorie Boston

WITH THE SUPPORT OF
DAS Theatre 

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This work explores how affection is being produced and transmitted in today's digital environments. By employing the genre of the love song, it dares to ask the value of intimacy and emotions in a state of emergency and urgency.

In the format of Zoom remote rehearsals with non-performers, collaborating with relatives, the proposal takes a closer look at the tension between real emotions and feelings as a fetish, by stressing the documentary aspect of the material. 

Este trabajo explora cómo se produce y se transmite el afecto en los entornos digitales actuales y se atreve a preguntarse por el valor de la intimidad y de las emociones en un estado de emergencia y urgencia, utilizando el género de la canción de amor.


En el formato de ensayos remotos por Zoom con no intérpretes, colaborando con los familiares, la propuesta se aproxima a la tensión entre las emociones reales y los sentimientos como fetiche, haciendo hincapié en el aspecto documental del material. 






During lockdown 2020, I locked myself in isolation with seven smartphones. This pictorial excess pays homage to the love genre par excellence: the love song. Leonard Cohen's Ain't no cure for love kicks off directly in this intimate and transgressive simultaneous session, accompanied by inner body examinations and images of nature.


"The doctors working day and night / But they'll never ever find that cure for love"  sings Cohen. In this video, love is poison and a gift. At the same time: unbridled, exciting, dangerous, disgusting, and yet his lips attract the viewer and want to be kissed.

Durante el confinamiento 2020, me aislé con siete smartphones. Este exceso de imágenes rinde homenaje al género amoroso por excelencia: la canción de amor. Ain't no cure for love, da el puntapié inicial a esta íntima y transgresora sesión de simultaneidad, acompañada de revisiones internas del cuerpo e imágenes de la naturaleza.



"The doctors working day and night / But they'll never ever find that cure for love", canta Cohen. El amor es en este vídeo a la vez veneno y regalo: desenfrenado, excitante, peligroso, repugnante y, sin embargo, los labios brillan y quieren ser besados.




2 min color / Netherlands,

CONCEPT & DIRECTION
Juan Miranda

 

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From birth, through her childhood and adolescence, a young girl is confronted with the fragmentation of her identity due to the violent world that surrounds her: a highly religious mother, a brother suffering from mental illness, and turbulent sexuality.

A story about loss, grief, pain, and the alignment of identity. An intimate tale that, as a voracious body, rises through its destruction.

The novel A Girl is a Half-Formed Thing is the debut work of writer Eimear McBride. Her innovative and experimental language travels through our inner selves, offering a new expressiveness of dialogue in the contemporary theater scene.

Desde su nacimiento, a través de su infancia y adolescencia, una niña se confronta con la fragmentación de su identidad a causa del mundo violento que la rodea: una madre sumamente religiosa, un hermano que sufre una enfermedad mental, y una sexualidad turbulenta.

Una historia sobre la pérdida, el duelo, el dolor y la alineación de la identidad. Un relato íntimo que, como cuerpo voraz, se erige a través de su propia destrucción.

La novela A Girl is a Half-Formed Thing es la ópera prima de la escritora Eimear McBride. Su lenguaje innovador y experimental viaja por nuestro interior, ofreciendo una nueva expresividad del diálogo en la escena del teatro contemporáneo.






TEXT
Eimear McBride

ADAPTATION
Annie Ryan

TRANSLATION
Adriana Toledano Kolteniuk
Pía Laborde-Noguez

DIRECTION
Juan Miranda

WITH
Pía Laborde-Noguez

STAGE
Manuela de Laborde

LIGHT DESIGN
Elisabet Castells i Negre
 
SOUNND DESIGN
Camila Fuchs
(Camila de Laborde
Daniel Hermann – Collinni)

PICTURE
Urte Janus

LIGHT DESIGN ASSISTANT
Emilio Carrera Quiroga

ASSISTANT DIRECTOR
Montserrat Cattaneo

DISTRIBUTION
Cecilia Kuska

PRODUCTION
Dolores

in collaboration with
Magnífico Entertainment &
Chroma Teatre


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2021 - Sala Beckett Barcelona
2021 - Sala el Milagro Ciudad de Mexico. 2019 - Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo Ciudad de Mexico




What does it mean to walk a little bit slower in a society where velocity and hyperactivity prevail? How do we include the difference in a world that censures all those incapable of producing according to this compulsive dynamism?


This contemporary theater piece by playwright Ivor Martinic invites us to lift our feet off the ground, to lower the frequency to settle in the suspended time of the moment.


A family portrait and testimony about intimacy. It is a micro-world made of seemingly everyday situations, which focuses on those small events loaded with great emotional complexity and profound beauty.

¿Qué significa caminar un poco más despacio en una sociedad en la que prevalecen la velocidad y la hiperactividad ? ¿Cómo incluimos la diferencia en un mundo que censura a todos aquellos incapaces de producir según este dinamismo compulsivo?


Esta pieza de teatro contemporáneo del dramaturgo Ivor Martinic, nos invita a levantar los pies del suelo, a bajar la frecuencia para instalarnos en el tiempo suspendido del momento.


Un retrato familiar y un testimonio sobre la intimidad. Es una micro mundo hecho de situaciones aparentemente cotidianas, que hace foco en aquellos pequeños  acontecimientos cargados de gran complejidad emocional y profunda belleza.







TEXT
Ivor Martinic

TRASLATION
Nika Cohen 

DIRECTION
Juan Miranda

WITH
Avec Maria Verdi
Teresa Ovidio
Astrid Albiso
Florent Mousset
Elena Durant Lozano
Eva Carmen Jarriau
Ivan Toulouse
Laurent Czerniak
Chap Rodriguez

STAGE & LIGHT DESIGN
Elisabet Castells i Negre

ASSISTANT DIRECTOR
Anouk Luthier

PRODUCTION
El Vaiven

 

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2020 - Manufacture des Abbesses, Paris. Finalist project in competition for Théâtre 13 Prize / young directors 2018, Paris.


Artistic collaboration as dramaturg and director with the performer María García Vera for more than eight years. Together they research the frontiers between fiction and reality in cinema: What does it mean to include the cinema in the performative apparatus?


Through this work, developed during a series of residencies, they’ve examined the universe of Werner Herzog to investigate the intimate relationship between power and powerlessness, madness and creation. How far can the force of a vision reach? Their practice explores a body that far from being digital is pure matter and presence



Con María García Vera colaboramos desde 2010. Investigamos desde la escena sobre los bordes entre ficción y realidad en el cine: ¿Qué significa incluir el cine en la escena?


Exploramos una performatividad excesiva y pasional, que lleva los gestos hasta el agotamiento. Un cuerpo que lejos de ser digital, es pura materia y presencia.


En este trabajo, nos apropiamos del universo de Werner Herzog, para investigar sobre la intima relación entre potencia e impotencia. ¿Hasta dónde puede llegar la fuerza de una visión?
un homenaje escénico que se construye sobre citas, restos de guiones perdidos y testimonios que intentan reconstruir los últimos días de Werner Herzog. Es un homenaje, pero también es un funeral, Hay un desaparecido en escena y ése desaparecido es el propio Werner.






DRAMATURGY & PERFORMANCE
María García Vera

DRAMATURGY & DIRECTION
Annie JJuan Miranda


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2017 - Desembre en Dansa,
Centre de Creació l’animal a l’esquena Girona.
ACT Festival Bilbao 17.
2015 - Graner Centro de Creación Barcelona.
FID15 Finestra Internacional de la Dansa
Festival Dansa Ara La Pedrera 2014.




Embracing both physical and intellectual dimensions, this piece explores the quest for freedom as a nexus of union between humanism, in the form of the Greek and Roman classics and texts from the Golden Age, and the world of the skaters who fill the streets of Barcelona today.


Like philosophers from other periods, they want to feel free. Thought, philosophy, and meditation on the one hand and training, force, and movement on the other are concepts that the characters exchange with one another during the play, set in a theatre that is not really a theatre because of its deliberate lack of a proper stage leads us to think more of those streets where these skaters roam.

Esqueiters es la aproximación fonética a la palabra skaters y nos remite a los títulos de algunas obras clásicas: Los Persas, Los Suplicantes,

Las Troyanas … Los Esqueiters. Todas ellas con los rasgos característicos de la tragedia  griega: la presentación de un conflicto universal y la aceptación de este a  través de una catarsis.

Esta tragedia nace de la voluntad de alcanzar un estado casi imposible: ser o sentirnos libres. Todo comienza con el encuentro de dos grupos que persiguen este objetivo común. Unos skaters, perpetuos viajantes que redefinen el entorno urbano y confían en la fuerza del movimiento para liberarse y unos pensadores del Renacimiento, mentes ilustradas que confían en la fuerza de las ideas para conquistar la libertad.



La pieza, como lo ha sido el proceso, es un ejercicio de intercambio, de aproximación entre lo instintivo y lo racional, lo efímero y lo eterno, lo contemporáneo y lo clásico.





DRAMATURGY & DIRECTION
Nao Albet
Marcel Borràs

IN COLLABORATION WITH
Juan Miranda

CREATION & PERFORMERS
Kristina Westad
Alfredo Baccetti
Michael Diligente
Dallas Bailey
Nao Albet
Marcel Borràs

MUSIC COMPOSITION
Nao Albet
Marcel Borràs
from songs of BadBadNotGood

SET
Max Glaenzel

SET CONSTRUCTION
Xarli, Ou and Anagrama

CHOREOGRAPHY
Nao Albet
Marcel Borràs
Anna Hierro

MOVEMENT
Anna Hierro

LIGHTING DESIGN
Lluís Martí

VIDEO DESIGN
Miquel Díaz

PHOTOGRAPHY
Felipe Mena

COPRODUCTION
Grec 2015 Festival de Barcelona, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), Temporada Alta – Festival de Tardor de Catalunya, Girona-Salt, La Brutal and Théâtre de l'Archipel de Perpignan (Fr).


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2019 - Teatro Español Madrid ZIP, Teatro Lava, Valladolid, Théâtre Le Parvis, Tarbes.
Théâtre la Vignette, Montpellier.
Théâtre de l’Archipel, Perpignan.
Festival TNT Terrassa.
2015 - Grec Festival de Barcelona,
Centre de Cultura Contemporània de Barcelona -CCCB, Temporada Alta - Festival de Tardor de Cataluña, Girona-Salt.





If we don't connect with the remnants of what we once were, we can no longer hope for anything. But what happens when memories sadden instead of nourish?


Sapucay is a cry of celebration and war, a connection between flesh and memory, of three strong women who survive in a harsh, almost mythical rural landscape.

A universe of women that, with boiling bodies anchored itself in the immensity and leads us to reflect on the poles and the difference between the local and the regional, the regional and the national. A vision that could well happen: on the banks of the Paraná River, in Iceland, or the Basque Country. A piece loaded with atmospheres that explodes in micro gestures and strikes with furious animality. 

Si no conectamos con los restos de lo que fuimos un día, ya no podremos esperar nada. Pero, ¿qué pasa cuando los recuerdos en vez de alimentar entristecen? Sapucay es un grito de fiesta y de guerra, una conexión entre la carne y la memoria, de tres mujeres fuertes que sobreviven en un paisaje rural áspero, casi mítico.



Un universo femenino, con cuerpos desbordados e hirvientes que se ancla en la inmensidad y nos lleva a reflexionar sobre los polos y la diferencia entre lo local y lo regional, lo regional y lo nacional. Una visión que bien puede suceder a orillas del río Paraná, en Islandia, o en el País Vasco. Una pieza cargada de atmósferas que estalla en microgestos y golpea con furiosa animalidad.






CONCEPT & DIRECTION
Juan Miranda

DRAMATURGY
Melina Pereyra

Neus Suñé 

Juan Miranda


MOVEMEMENT

Neus Suñé


CREATION & PERFORMERS

Constanza Aguirre

María García Vera

Melina Pereyra

M

STAGE  & LIGHTING  DESIGN

Adrià Pinar Marco
Víctor Peralta
Mireia Cardús


SOUND DESIGN

Felipe L. Navarro


VIDEO

Bruno Zaffora (Waking Films)


PICTURE

Nacho Correa
Irina Bravo


PRODUCTION

Chroma Teatre


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FIDCU, Festival Internacional de Danza Contemporánea de Uruguay, Montevideo.
Sala Hiroshima 2016 Barcelona
FID15 Finestra Internacional de la Dansa.
Festival Grec, Fira Tàrrega
Temporada Alta - Festival de Tardor de Cataluña.
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DRAMATURGY & PERFORMANCE
María García Vera

DRAMATURGY & DIRECTION
JJuan Miranda



DRAMATURGY
Txiki Berraondo
Sergi Faustino
Oscar Dasí
Sonia Gómez
Victor Molina
Patricia Caballero
Melina Pereyra
Bruna Cusí.

WITH THE SUPPORT OF
La Porta,
Proyecto Ocupaciones
Teatro Pradillo
Beca CONCA 2012
La Caldera
El Estruch
Antic Teatre / Adriantic


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. Museu d´Art Contemporani Santa Mónica Barcelona
Festival In Situ. Antic Teatre Barcelona
Teatro Pradillo Madrid.
Centro Párraga of Murcia 2013.
Caldera Barcelona,
El Estruch
La Porta.



The passage of time that corrodes and tames, it is the belief that all past times were better. It is love, abandonment, illness, the death that freezes any possibility of continuity. It is cinema as a vanishing point, as a perfect but deceptive reference.

This piece presents a puzzle of feelings. It is the story of a small provincial town in the 1930s, with its secret romances and passions hidden under the mandate of "should be." The love of youth, the city and the periphery, a passionate crime, a tuberculosis patient, and the passage of time that combusts.

There are no great vicissitudes. Expressiveness appears in the accumulation of apparent banalities. The drama is hidden in the details, almost as it happens to us in life. The living and the dead coexist, or rather the moribund, with the desire to live life as a tango without daring to be so passionate.



Boquitas Pintadas es el paso del tiempo que corroe y amansa, la creencia de que todo tiempo pasado fue mejor. Es el amor, el abandono, la enfermedad, la muerte que congela cualquier posibilidad de continuidad. Es el cine como punto de fuga, como referencia perfecta aunque engañosa.


Esta pieza se presenta como un rompecabezas de sentimientos. Es la historia de un pequeño pueblo de provincia en los años 30, con sus romances y pasiones secretas, que se ocultan bajo el mandato del “deber ser”. Amores de juventud, la ciudad y la periferia, un crimen pasional, un tuberculoso y el paso del tiempo que combustiona.


No hay grandes peripecias, lo expresivo aparece en la acumulación de aparentes banalidades, el drama se oculta en los detalles, casi como nos pasa en la vida. Conviven los vivos y los muertos, o mejor dicho los moribundos, con el deseo de vivir la vida como un tango sin atreverse a tanta pasión.







From the original novel of Manuel Puig

CONCEPT & DIRECTION
Juan Miranda

DRAMATURGY
Anna Maria Ricart

WITH
  Constanza Aguirre
David Menéndez
Ilona Muñoz
Melina Pereyra
Sergi Torecilla

STAGE & LIGHTNING
Adrià Pinar
Victor Peralta

COSTUME
Mireia Cardús

COREOGRAPHY
Marcela Sabbatiello

MOVEMENT
Neus Suñé

PICTURES
Michael Kurweil
Paula Maestro

PRODUCTION
Chroma Teatre



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 2014 - Versus Teatre Barcelona.




As a professor, I worked at the University of Girona (ERAM) for the Performing Arts Degree. As part of a curriculum module on musical theatre, I created altogether with the students a piece with musical content. The educational and professional process lasted for an entire academic year.



I have been supporting and following the process of different makers in Chroma Teatre Estudi, a project led in Barcelona with his own company.



Me desempeñé como profesor en la Universidad de Girona (ERAM) en el Grado de Artes Escénicas. Como parte de un módulo curricular sobre teatro musical, con le objetivo de crear conjuntamente con los alumnos una obra de contenido musical. El proceso educativo y profesional con una duración de todo un curso académico.



Ha acompañado y asesorado procesos de diferentes creadores en Chroma Teatre Estudi, proyecto liderado en Barcelona con su propia compañía.










(Argentina / Spain)

— artist, theatre-maker, and researcher.

Juan Miranda’s work sits at the intersection between theatre, visual arts, and performance. He investigates the ephemeral body of emotions, images, and flesh, and the tension created between action, presence, and space.

“My research is triggered by the pathos that lies behind images and how this can be embraced from the scene. What makes an image present? Through my work I look for an excessive and passionate performativity, one that leads the gesture to exhaustion.”


After accomplishing his theatre studies in Buenos Aires, he obtains a (BA) in Stage Directing and Dramaturgy at the Institut del Teatre de Barcelona. He is currently undergoing his MA at DAS Theatre with the support of “La Caixa” Foundation Fellowship.



As director he has worked in 1000 EYES by Mazlum Nergiz (Finalist project in competition for Théâtre 13 Prize / young directors. Paris) Una niña es una cosa a medio formar by Eimear McBride (Sala Beckett Barcelona 2021. Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo Mexico City 2019) Mon fils marche juste un peu plus lentement by Ivor Martinic (La Manufacture des Abbesses, Paris 2020. Théâtre 13 Prize / young directors, Paris, 2018) Sapucay (FIDCU, Montevideo Uruguay 2017, Sala Hiroshima Barcelona 2016, FID 2015, Grec Festival, Fira Tàrrega and Temporada Alta 2015) Werner or the blue of the origins (Centre de Creació l’animal a  l’esquena 2017, ACT Bilbao Festival 2017, FID 2015, Graner, Dansa Ara La Pedrera Festival 2014) Los Esqueiters in collaboration with Nao Albet and Marcel Borràs (Teatro Español Madrid ZIP, Théâtre Le Parvis, Tarbes. Théâtre la Vignette, Montpellier. Théâtre de l’Archipel, Perpignan France. Festival TNT. Grec Barcelona, Temporada Alta) Les altres mares d’en Kaspar Hauser by Felicia Zeller (Versus Teatre 2015), Boquitas Pintadas by Manuel Puig (Versus Teatre, 2014) Micrología Segunda (Museu d’Art Contemporani de Santa Monica, Antic Teatre, Pradillo Theater,
L’Estruch 2013).

As a performer, he participated in the projects: Game Boy by choreographer Sylvain Huc (2016), Trossos by the company Obskené (2012), among others.

Miranda combines his artistic practice within educational frameworks exploring other forms of transmission and knowledge in the field of Performing Arts. Since 2009 he co-directs the company Chroma Teatre in Barcelona. Until 2018, he taught at Chroma Teatre Estudi, and he is Associate Professor of ERAM Performing Arts Degree at the University of Gerona.

Download CV



(Argentina / España)

— artista, creador e  investigador. 

Su práctica de se sitúa en la intersección entre el teatro, las artes visuales y la performance. Se centra en el cuerpo efímero de las emociones y explora la escena como: un campo de tensiones entre la acción, la presencia y el espacio.


"Mi investigación busca en el pathos que se esconde detrás de las imágenes y en cómo  puede ser abarcado desde la escena. ¿Qué hace que una imagen esté presente? Mi trabajo artístico busca generalmente una performatividad excesiva y apasionada, llevando los gestos hasta el  agotamiento".


Después de completar estudios en Buenos aires, obtiene la Licenciatura en Dirección Escénica y Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona. Actualmente participa en el Master DAS Theatre - Universidad de las Artes de Amsterdam con el apoyo de la Beca de la Fundación "La Caixa".



Como director ha trabajado en 1000 EYES de Mazlum Nergiz (proyecto finalista en el concurso del Premio Théâtre 13 / jóvenes directores. París) Una niña es una cosa a medio formar de Eimear McBride (Sala Beckett Barcelona 2021. Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo Ciudad de México 2019) Mon fils marche juste un peu plus lentement de Ivor Martinic (La Manufacture des Abbesses, París 2020. Premio Théâtre 13 / jóvenes directores, París, 2018) Sapucay (FIDCU, Montevideo Uruguay 2017, Sala Hiroshima Barcelona 2016, FID 2015, Festival Grec, Fira Tàrrega y Temporada Alta 2015) Werner o el azul de los orígenes (Centre de Creació l'animal a l'esquena 2017, ACT Bilbao Festival 2017, FID 2015, Graner, Dansa Ara La Pedrera Festival 2014) Los Esqueiters en colaboración con Nao Albet y Marcel Borràs (Teatro Español Madrid ZIP, Théâtre Le Parvis, Tarbes. Théâtre la Vignette, Montpellier. Théâtre de l'Archipel, Perpignan Francia. Festival TNT. Grec Barcelona, Temporada Alta) Les altres mares d'en Kaspar Hauser de Felicia Zeller (Versus Teatre 2015), Boquitas Pintadas de Manuel Puig (Versus Teatre, 2014) Micrología Segunda (Museu d'Art Contemporani de Santa Mónica, Antic Teatre, Teatro Pradillo, L'Estruch 2013).


Como performer, ha trabajado en los proyectos: Game Boy  del coreógrafo Sylvain Huc (2016), Trossos de la compañía Obskené (2012), among others.

Combina su práctica artística dentro de marcos educativos explorando otras formas de transmisión y conocimiento en el campo de las artes escénicas. Desde 2009 codirige la compañía Chroma Teatre en Barcelona. Hasta 2019 ha sido profesor de Chroma Teatre Estudi y es profesor asociado del Grado de Artes Escénicas ERAM de la Universidad de Gerona.



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mail@juanmiranda.nl

@jjuanmmiranda